たとえば、アリアの冒頭のところです。ヒューイットは繰り返しをすべて行っていますが、繰り返しのときに冒頭のバスの音を少し強調して右手の音に重ねます。この変化によって、最初の時はアリアの冒頭はバスがベースとなって単独のメロディとして聴こえたのが、繰り返しの時にはバスの音が重なって和声的な厚みのある音になっているのです。さらに、右手で弾いている音色が、繰り返しの際にはこもり気味の響きになっていて、それが、後半に移ると抜けのいい開放的な響きの音色に変わって、ぱっと開けたような感じになります。しかし、これも繰り返しの際には、音色を変えてこもり気味の響きになり、一回目のときはポリフォニーの各声部の動きが際立ち、各々の声部が自己主張するようにして絡み合って、それなりに緊張度のある演奏でした。それが繰り返しの際にはこもり気味の音色がしっとりとした感じの雰囲気となり、バスの声部などは鋭角的に自己主張していたのがフンワカした雰囲気に全体がしっとりとリラックスした雰囲気となって静かに終わるようになっているのでした。

このようにヒューイットの演奏は、各声部のフレーズを強弱とかタッチとか他の声部との関係でどちらを前面に出すかといった要素の中で捉えていくものです。それは、グールドのようにフレーズの形をまずイメージとして捉えて、それをもとに構成とか演奏を構築していくといった、その人にとって“これ”というある種の絶対のものがあるのとは違います。ヒューイットの音楽の捉え方は、グールドに比べて考えると相対的と言えると思います。つまり、グールドにはある“これ”がヒューイットにはないと言えるからです。様々な要素を並べて勘案して、ここでは“あれ”別のところでは“それ”と、その場に応じて選択していく。おそらく、ヒューイットにとってフレーズの形というは抽象的な響きのイメージではなくて、タッチとか強弱とか他の声部の背後につくか浮き上がるかなど、の他の要素によって形も違ってくるので、それぞれの関係で相対的に決まってくるというように捉えているのではないかと思います。だから、この人の場合、メロディの歌い方とかリズムといった単独の要素を突出させて個性として際立つといった演奏にはならない。聴く人によっては個性的でない（優等生的で面白みがない、その他）と受け取られることもあり得る演奏をしていると思います。

・マルティン・シュタットフェルト

あまり世代論とか、演奏者の背景とか人となりとかいったことは触れないようにしていますが、実際はどうなのか別にして、シュッタットフェルトの演奏を聴いていると、この人が物心ついた時には既にグレン･グールドの録音が一つの権威のようになっていて、その影響のもとにピアニストたちがゴルトベルク変奏曲を弾いているという状況が確立していたのではないかと思います。その中で、ひとつの演奏が権威となっていて、そこから様々な演奏が試みられていて、そんな中で自分は、先行する演奏と同じことはできない。そうすると、既に先行者がやってしまったこと以外の道を探す。ああでもない、こうでもないといって、自分がこうしていこう、というのを先行者がやっていないという隘路に入り込んで模索している。その結果、マニエリスムとしか言えないような方向を戦略的に選択した。そんな印象です。そういうシュッタットフェルトの演奏は、各変奏をリピートし、その際によく言えば自由奔放な弾き方、例えばその部分の演奏をオクターヴずらしたり、装飾やトリルを過剰なほど加えたり、フレージングやテンポを驚くほど変えて見せたり、と奇を衒うという人もいるかもしれません。本人はインタビューに答えて、本来の二段鍵盤つきチェンバロの音色をピアノで再現したい、つまり、チェンバロの音域レジスターを組み合わせるように、色彩を変化させたいということを主張したといいます。また、ゴルトベルク変奏曲に内在する声部に対し、人間的な声を与え、ポリフォニーのすばらしさを再現したいとも主張したといいます。声部には相当こだわっていて、ほとんど三声で移行するゴルトベルク変奏曲の、独立した声部の間を行き来することによって、ポリフォニー的な響きの錯覚のような感覚を聞き手に与えたいとも語ったそうです。

シュタットフェルトの弾くアリアの演奏を聴くと、前半の繰り返しになって早々に右手がオクターヴ上の甲高い音でアリアのメロディを弾き始めます。そこで聴き手は驚いていると、続くトリルと細かな音のメロディ後半では通常の高さに戻って、メロディの反復では再度オクターブ上で弾きます。そして、また通常の高さに戻って、３度目の反復で、オクターヴ上に、と聴き手は驚き、オクターヴ上がったり戻ったりがせわしなく繰り返されるのに戸惑ったりします。そこで翻弄されるような変化を楽しむというのが、この人の演奏の特徴として、どうしても目が行ってしまいます。しかし、実はそれだけでなくて、本来のアリアの主題はバスの動きにあって、シュタットフェルトはこのアリアの前半のバスの動きについて小節ごとに強弱を弾き分けて、しかも８分音符の細かい音では強くアクセントをつけることなどして、バスの変奏を弾き分けようとしているのです。

ある意味で、バロックとは歪んだ真珠という意味のルネサンスの均衡のとれた美とは一線を画した、あざとさであるとすると、シュタットフェルトの演奏は、そういうバロックの性格に近いところでバッハにアプローチとしようとしていると言えるかもしれません。

・セルゲイ・シェプキン

シェプキンも、上で紹介したシュタットフェルトに負けず劣らず自由奔放な演奏、奇天烈演奏をしています。とはいっても、その性格は違います。おそらくシェプキンは美しい音でピアノを弾くピアニストであるということが基本になっているひとではないかということです。彼の弾くピアノの磨きぬかれた音の透明さ、美しさは圧倒的で、それが高い技巧に支えられている。強靭ながらけっして重くならないバスの存在感、怜悧な音色は研ぎ澄まされ、音数がどれほど多く込み入っていようとも、またどれほど両手が交差しようと、ひとつひとつの音や和音が決して混濁することはありません。実際、装飾音がとてつもない速さで弾かれていっても、決して混濁せずに音の粒が際立っていて、次々と音が重なり合って生まれる心地よい音の洪水に溺れてしまうようなのです。

だから、バッハの音楽は美しいピアノの音で弾くためのものなのです。シェプキンというピアニストは、数多くのヴィトゥオーソを輩出したロシア・ピアニズムの系譜を引き継ぐ人であるそうなのですが、そうであればラフマニノフとかスクリアビン、あるいはショパンやラヴェルといったピアノの美しさを専ら追求した作曲家の作品が数多あるのにもかかわらず、よりによってピアノの特性を考慮していないはずのバッハの、この曲を取り上げて、あえてピアノで美しく弾こうとしたところにシェプキンという人の特徴が現われているのだと思います。おそらく、シェプキンは、ラフマニノフなどの作曲家にはない美しさの要素を見出したのではないかと思います。

したがって、シェプキンはそういう美しさを追求しているという姿勢で一貫していて、そのためには大胆な解釈も厭わないということではないかと思います。だから、バッハを追求するという姿勢ではなくて、バッハの音楽は素材、あるいは手段として、とことん使いまわす、という演奏姿勢であるねと私は思います。

このアリアでは、左手で刻まれるリズムに対して、右手が微妙にタメを作って、後ノリしていくような感じで弾かれるのですが、これが、シェプキン独特の力みのない大らかなタッチとあいまって、音楽に独特の浮遊感と開放感を与えていきます。こんなバスは初めてで、これではバスの主題の変奏になっていないではないかと考えるのは野暮で、繰り返しへのブリッジのようなバスの装飾に驚きながら、繰り返しが始まると、最初からアリアのメロディに装飾が加えられ、これが反復されるときの合間にブリッジのようにトリルが挿入され、そのメロディもスタッカートで弾むような弾き方になり、その後はフレーズの語尾には必ずと言っていいほどトリルや装飾が追加されます。後半も、この方向性は変わらず、繰り返しではいたる所に装飾が加えられます。それは華やかさといってもよく、そこにシェプキンのアリアの特徴があると思います。

・イム・ドンヒョク

イム・ドンヒュクのピアノの音は、例えばアンドラーシュ・シフなどと比べると、シフの演奏が音の粒がたっているどちらかというとメリハリのある音なのに対し、ドンヒョクはロマン派みたいななめらかで甘さのある演奏と言えると思います。ドンヒュクはショパンを得意にしているタイプのピアニストということで、弱音に神経をつかった繊細で、多彩な音色やタッチを駆使して表面の磨きぬかれた演奏を、ここでもやっていて、それが不思議とバッハに違和感がないものとなっています。ドンヒュクのピアノの音は細い鋭い音ですが、音がよく通る感じの音で、オーケストラと共演しても、ホールの隅まで届くような響く音です。そういうピアノ的な美しい音で弾かれたバッハと言えば、イメージが湧いてくるでしょうか。

そういう音で、ドンヒュクの弾くゴルトベルク変奏曲は、ポリフォニーの各声部が並び立っているという発想ではなくて、主部と伴奏というホモフォニーの発想が土台となっていて演奏が組み立てられているようです。たとえば、グレン･グールドのように声部の絡み合いが緊張感を高めたり、アンジェラ･ヒューイットのように、並び立っている各声部の中から、ある時はある声部を浮き上がらせてみたり、平等にあつかったりして、全体のニュアンスを変化させようということは、ほとんどやっていません。また、カノンのテーマを各声部で受け渡しをしながら模倣していくという捉え方ではなくて、テーマという形の繰り返しと捉えているように思います。それはドンヒュクがショパンを得意にしているピアニストであることも原因していると思います。ショパンの曲はソナタ形式のような展開させるのではなく、短いシンプルなメロディを繰り返すことが多いのですが、その際に単純に繰り返すのではなく、転調させたり、リズムを変えたりと、ちょっとした変化を必ず加えます。ピアニストは、その変化をどのような弾き方をするか、というのがショパンを聴く時の焦点のひとつになります。ドンヒュクは、おそらく、そういうショパンの曲をレパートリーの中心にしている人なので、繰り返しには変化させることが、当たり前のように身についてしまっているのではないかと思います。ドンヒュクは、カノンの反復を、そういうショパンのように弾いていると思います。

アリアの演奏では、繰り返しをしていないので、そのような要素は、あまりないのですが、メロディを歌わせるといったこともなく、ゆっくりしたテンポで美音を駆使するように淡々と弾いています。この後の変奏を、どのように料理していくか楽しみにしてね、という演奏をしている、というように聴きました。