「不思議の国」という１９７５年の作品、これも油彩です。たくさんの人が折り重なるようにして集まって、高く積み上げられていくという場面は、エル・グレコを彷彿とさせますが、横尾はこのような場面が好きなのか、前に取り上げた「水と霊」もそうだったし、この後のコーナーの「大地の歌」もそういうところがあります。あるいは前のコーナーの「引き出されたカオス」は少し異質ですが、無関係な様々な物体が集まってできた外形が総体で何かに見えるという場面を割合に好んでいたのかもしれません。これも、全体としての構成というよりは、部分（細部）をそれぞれ好きなように描いていて、それらが集まって結果として、こんなものになったという偶然性という即興的な感じがします。そういう作品では、リアリズムとは相性がよくない、幻想画とは何とでも言えるので、こういう描き方には都合がよかったのではないか、そう思えてきます。この人のイメージというのは、絵画的もしくは映像的というような視覚的なものというよりは、物語的なのではないかとおもえるのです。だから、作品の画面が視覚イメージでもって明確にデザインされているのではなくて、こういう物語、あるいはこういう経緯でこうなっているという視覚的には漠然として描き始め、あとは偶然によって結果が導かれる。もともと漠然とした視覚イメージだから、当初の物語から外れていなければ、それでいい。そして、作品の題名が物語イメージで付与される。それで見る者は、そういうものだとして作品をみると、聖書の場面とか幻想画として見る。だから、作品は親しみ易いし、作品を見た印象を語りやすい。この展覧会場では、家族連れの割合が高かったかもしれませんが、作品の印象を小声で語り合う光景があちこちで見られました。通常。このような場では、黙って見ている人が多いのですが、そこここで語り合う、しかも世間話といった関係のないおしゃべりではなく、作品の印象を語り合う人がけっこういて、静かなざわめきというような雰囲気は珍しかったです。それは、決して悪い雰囲気ではありません。

「岸辺の沈黙」という１９８５年の作品です。中央の人物を見ていると、横尾という画家のデッサン力というか、ちゃんと描けば描ける人なのだということが分かります。まるで古代ギリシャの女神の彫刻のような姿で、とくに顔はそのものです。しかし、この顔には表情がない。他の作品もそうですが、全身にしても、部分だけを描いたにしても、横尾の描く人間には、表情がなく、感情が見えてきません。おそらく、そういうものには興味がなかったのかもしれないと思います。横尾の関心は、物語のストーリーで、人はそこで動くコマのようなもので、描くとしても画面の中の人としての外形だけでよかった。だから、この作品の人物も、きれいに描かれていますが、存在感は感じられない。透明という、浮遊しているというか、そんな感じです。しかし、幻想画ということになれば、そっちの方が好都合ではないでしょうか。その物語にしても、聖書などを題材にしていますが、横尾は自由に取り扱っている。だから、借り物ていどの意識だったのではないでしょうか。展覧会のキャプションなどでは、横尾は聖書とか宗教性、精神性にのめり込んでいたように説明されていますが、描かれた作品の印象では、そのように思えないのです。横尾の内心のことですから、断定的なことは言えず、私個人の印象にすぎませんが。ところで、そういう借り物だから、このように自由に作品を制作することができたわけで、キリスト教の真っ只中にいて、どっぷりと浸かっている西洋の人には、それなりの嗜みというか規制があるだろうから、ここまで描くには、かなりの葛藤を克服しなければならないでしょう。そうすると、作品は重くなる。これに対して、横尾の作品には、そういうものがなく、どちらかというと軽い。だからこそ、グロテスクといってもいい異形のものを描いても、グロテスクな気持ち悪い感じがしないのです。

第３章　内なる青を見つめて

このコーナーでは、前と一変して、キャンバスに油彩、しかも大きなキャンバスの大作ばかりになります。抽象性の強い、青を基調（これまではグリーンとしても印象的でした）とした作品を、下地の絵具を手で直接かき回して画面を作り、聖書の「黙示録」や広大な風景をテーマに制作したといいます。こんなにガラッと変われるものでしょうか。この次のコーナーでも、ガラッと変わります。移行期のようなものがない（そういう移行的な橋渡しとなるような作品は全くありませんでした）このように変われてしまうのが、横尾という人の特徴なのかもしれません。もっとも、前のコーナーで最後に取り上げた「岸辺の沈黙」１９８５年の作品で、このコーナーの展示作品は１９７０年代後半なので、二つの傾向の作品を並行して描いていたと言えます。そうだとすると、この人は器用だったのかも。だから、展覧会の説明で精神的傾向とかいわれても、何かピンとこないわけです。

「滴る天の雫」という１９８０年の作品です。前のコーナーでは、紙に絵の具を滲ませて、滲みやぼかしでもやもやしたような幻想的な雰囲気の背景をつくっていましたが、ここでは油絵でもそういう雰囲気を作り出しています。この人は、よくよく、明確な形より曖昧な方が好きなんだと思います。それで、たしかに青がとても目に鮮やかなのだけれど、その青が強いというのと、形の曖昧さ、そしてそれが青の濃淡とあいまって、波のような感じがして、青空とも海中ともいえる不思議な画面になっています。これも、どこという空間の明確さをさけているように見えます。これって、日本画の書きたいものだけ書いて、あとは余白にしてしまって、その他の情報を曖昧にしてしまうのと同じようなものかもしれないと思います。何か、日本画の見せ方で西洋画を描いている。そのギャップが幻想的な画面を生んでいる、そんな感じがしました。上方の空というかもやもやした部分は、水墨画の朦朧としたのに西洋画の色をつけたような感じで、それに対して左下の部分は西洋画のきっちり描くようになっている。その二つの描き方が一つの画面に並立している。その両者の関係が曖昧で、対立的な緊張関係ではなく、どちらかが主で他方が従というのでもない。画面に放置してあるといったほうがいい。そういう曖昧さがあって、それが画面にリラックスした印象を与えていると思います。だから、そういうこともあって、この人の作品は対峙するように向き合って鑑賞するといったものではなく、部屋に飾ってインテリアとして部屋の雰囲気づくりのひとつとなるようなもののように思えてきました。何か、作者である、横尾も描くという動作を楽しんでいて、それが第一のように、私には見えます。何を描いているか、といったことよりもです。

「Ｖｉｓｉｏｎ�U」という祭壇画のように３枚で一組になっている作品ですが、おそらく黙示録をテーマとしているのでしょう。しかし、この鮮やかな青は、黙示録の空というより、クリスチャン・ラッセンの海の絵の青を彷彿とさせるのです。私の印象は、黙示録よりもカリフォルニアのサーファーです。

第４章　東と西のはざまで

ここでまた、横尾は作風を一変させます。抽象というか前衛書道みたいになります。書を思わせる筆の動きや絵の具の飛沫を前面に押し出して描いた結果が抽象的な画面になる。もともと、リアリズムの明確な形は描いていなし、何を描くかということより、描いているという身体を動かすことを楽しむといった作品だったので、描いた結果が抽象だろうと、あまり気にすることはないと思いますが、それにしても、黙示録から禅にワープしたんですか、と聞きたくなります。節操というものがあるんですかね。