個人的なことですが、若いころにまんが家になりたいと思っていました。それなりに、作品の真似事を書いて見たりしたこともありました。しかし、そういうことをしているうちに、同じような志向の人たちと付き合うようになりました。その中には、絵を描くことが日常になっているような人がいて、日常のごく普通の所作として、まるで会話をするように手近の紙片にペンや鉛筆で何の気負いもなくサッと描いてしまうのです。本人は特に意識しているわけではなく。私が、何を描いたのかと尋ねると、はじめて本人が描いていることに気づくというようなことがありました。それを見て、勝てないと思いました。そうことや、いろいろあって、現在はしがないサラリーマンですが。

難波田史男の作品を見ていると、そういう、まるで息をするように、自然と描いてしまうような、絵といつも一緒のような人であるような感じがします。それは、これだけの多数の作品を制作し得たということが何より、その現れであると思います。そして、高校を卒業して受けた美術教育に馴染めず悩んだようなことや不安をそのまき反映したドローイングを多数残しているというように、悩んでいたり不安でいたりすることをそのまま描くというこことに結びついているのです。その間に断絶はなく、懐疑的に陥ることはなかったのではないか、と思います。というのも、本人が気が付いているのかどうか分かりませんが、そういうドローイングや作品を見ていると、だんだん上手くなっているのが、追いかけられるのです。それが、よく分かるのが、ここで展示されている「ある日の幻想」という作品ではないでしょうか。

ここで展示されている作品は、前章のコスモスとも言うべき整然とされた画面から、滲みという手法を活用することによって、あらたなステージに入ったことを示しています。まず、「ある日の幻想」では明確な輪郭を備え、強靭に存在を主張していた線はインクを滲ませることで、線の輪郭がぼやけ、極端な場合は流れて拡散してしまいます。さらには、水彩絵の具による彩色に線のインクが溶けて滲んで黒い靄のような状態でなります。また、彩色のされ方も「ある日の幻想」のときのような輪郭に沿ったものから、輪郭線とは関係なく画面のある面を彩色するようになってきます。その彩色の水で溶いて色をうすめ筆により濃淡があらわれる水彩の特徴を活用していくものになって行きます。そして、彩色の水彩と輪郭のインクの両方が滲んで、時には溶け合う、融合するような渾然一体となるような効果を産み出すようになりました。また、水彩絵の具にインクがにじんで混じり合うと、インクの強い黒が混じることになるので、どうしても全体の色調は黒が入りグレーの要素が強くなります。これ以降の難波田の作品の色調はグレーを基調としたものが多くなります。しかし、もともと、この人は２０代前半では暗い色調のドローイングを多数描いていた人でもあり、根底には、グレーという色調への嗜好があったのではないか、それを方法的に意識的に用いることができるようになったのか、この時期以降ではないか、と思います。というのも、ここで展示されている作品は、色調こそ暗いものの、かつての陰惨な感じはしなくなっているからです。そして、これ以降、不定形さが歪みではなくて、不思議な揺らぎを感じさせる、まるで海の底を漂っているような、横波にユラユラ揺れるような動きを秘めたダイナミクス（といっても激しいものではないのですが）を獲得していったように思います。そして、難波田史男の作品の基本的なパターンというのは、ここで固まったのではないかと思います。

て言っても、この人の作品を見ていると、デッサンの勉強のような基礎訓練をあまりやっていないような気がします。というのも、例えば、彼の作品を見ていると奥行ということが全く考えられていないで、徹頭徹尾平面的な思考がなされているような点が指摘できます。抽象画だから奥行は関係ないと言われるかもしれませんが、画面の構成という事は抽象でも具象でもないわけではありません。その際に、難波田の画面というのは、平面的でしかも横方向の拡がりしかない。このような構成のあり方と言うのは、幼稚園のお絵かきの時間に幼児が描くものに通じているように見えるのです。この場合、一般論として考えられるのは、目の前の事物を写実するということはあまりなくて、日曜日にお父さんとお母さんと遊園地に行ったことを描くというような、イメージを頭の中で構成し、それを描いていくと、それは写真のような写実的なイメージとは程遠くて、画面もどちらかというと平面的なケースがあって、いくつかの項目が時間系列や画面上の主従が考慮されず並列的に羅列されるというものでしょうか。それは、まるで難波田の作品の特徴を言っているようなものです。基本的には、難波田の作品から感じられるのはそういうものです。だから、展覧会パンフレットでも無垢といった形容が為されるのではないでしょうか。勿論、彼の作品はそんな単純なものではないですが、それをもとに洗練させていったのが彼の作品のエッセンスにあるといっても、あながち的外れではないと思います。

そこで、前にも少し触れましたが、彼と作品との間に亀裂がないという幸福な作家であったように思います。難波田は高校卒業後、深刻な悩みを作品にぶつけたりしていますが、素直に作品に悩みをぶつけられるほど、描くという行為自体に対する懐疑は感じたことはないのではないか。その意味で、描くという行為との関係はとても幸福であった。例えば、前々回に触れた実存主義という思想は、社会や文化というような色々なものをまとってしまったものを全て脱ぎ捨てて裸の自分というものが、ここにある、ということから始めるというようなものでしたが、その後、構造主義という運動の中で、そういう裸の自分という考え方自体の中に文化とか社会とかいった脱ぎ捨てたものの影響があるので、ありのままの自分という考え方そのものは実はフィクションに過ぎないと批判します。

ここからは、難波田史男の様々な要素をそれぞれ展示していたようで、１９６８年に集中的に描かれた「太陽」をモチーフにしたシリーズが展示されていました。といっても、作品を見ただけでは、太陽というモチーフが、私には分りません。タイトルの一部に太陽の語があるので、かろうじてそうと分かる程度のものです。それは、しかし、あまりこだわる必要はないと思います。「太陽の讃歌」は原色の鮮やかさが一連の難波田の作品とは異質に見えます。

一般に抽象絵画というのは難解なもの、考えてしまうものというようなイメージが未だに残っていると思います。しかし、難波田史男の作品にはそういう感じがしません。水彩画というせいもあるのでしょうが、難波田史男の作品は、敢えてそう断らなければ、とりたてて抽象画であるとして鑑賞するということは、しないのではないかと思います。そういえば、何だか現実にはないようなフニャフニャした不思議な形がフワフワ画面を漂っているというような捉え方になるのでしょうか。それにしても、子供が描いたような無垢で素朴な、どこか懐かしいような、今風で言えば癒されるような感じを抱く、という、敢えて言えば‘下手うま’のイラストに近い捉え方をされるのではないか、と思います。それは、父親の難波田龍起もそうですが、抽象画と言えばすぐに思い出すような代表的な画家たち、カンディンスキー、クレー、モンドリアン、ポロックと言った人たちの画面は厳密に構成された人工的につくられたもので、緊張感の高いところから、どこか襟を正して勉強するというようなところが、どうしてもあります。これに対して、難波田史男の作品からはそういう作為が感じにくく、厳密なバランスとか緊張感のようなものは感じられません。自然体という事が似合うようなリラックスした感じが漂っているように感じられるのです。（ただし、そこには劇的な緊張感があるのですが）また、サイズが大きくなく、水彩画の淡い色彩ということもあるでしょう。難波田の作品を、普通の一般的な家庭の居間や玄関に飾ってあっても、違和感を起こさせるような強い主張もなく、そこにさりげなく収まってしまうのではないかと思います。むしろ、美術館で改まって向き合うというよりは、部屋に飾って時折眺めるというような方が、似合うような印象を受けます。もっと具体的な特徴を色々細かく見ていきたいと思っていたのですが、難波田史男の作品は、そういう対象ではないようなきがしてきました。

ただ、難波田史男の作品は、単に親しみ易いというだけのものにと止まらず、親しみ易いという、そのすぐ近くに先が見通せないほどの深淵が顔をのぞかせていて、通り一遍に見るだけでは味わえ尽くせないものを秘めていることも確かです。