シャセリオーの習作からデビューのころの初期作品です。

最初に展示されているのは「自画像」（左図）で、画家が１６歳の時の作品です。全体として薄味という印象です。伝統的、つまり古典的な薄塗りの画面で、お上手というものです。１６歳でこれだけ描けていたわけですから、彼の肖像画はたしかに上手いと思います。この後で肖像画のコーナーがありますが、通常の場合、画家の回顧展で肖像画がまとめて展示されているコーナーは概してつまらないのですが、今回の展覧会では、その肖像画のコーナーが全体の中でも充実していた感じで、この画家は肖像画家としては一流てあったことを認めるについては、吝かではありません。しかし、それは肖像画としてであって、絵画作品としてはどうか（肖像画と絵画は違うのか、と問われれば、答えにくいのですけれど）というと、薄味なのです。弱いのです。例えば、人物の目に力がない。モデルの人物がそうなのだと言われればそれまでなのです。しかし、この人物の両目の瞳の焦点が合っていないように見えます。少し斜視気味で、これはおそらく鏡で自身の姿を見て、そのままを描いていると思いますが、そこで、目がうつろになっているように見る者には映ります。また、そして、全体としてノッペリと色が塗られているような感じで、それぞれの色を塗った面というようになっている。例えば顔の陰影については、影の黒く塗ったとそれ以外の肌色の部分は、それぞれが彩色された面のようになっていて、影の段階が追いかけられていないようです。だから、顔の立体性を感じ難い結果となっています。これは、同時代の画家たちの描く肖像よりも、後世の例えば、ヴァロットンの描く表層的で平面的な画面に似ているところがあると思います。これは若描き故の稚拙によるものかもしれず、これを以ってシャセリオーの志向するところというのは早とちりになるでしょう。ただ、陰影を移ろい行くように細かく描写することによって、怒りとか笑いのようにハッキリと表われる感情ではない、微妙な内面や気分のようなものを表現するロマン主義の志向性が、この作品にはほとんど認められません。むしろ、外形を表面的になぞることに心を傾けているように見えます。だからこそ、立派な肖像画になり得るわけですが。

「１６世紀スペイン女性の肖像の模写」（右図）です。模写ということで修業時代のもので出来栄えがよかったので本人も気に入って保管していたものでしょう。スペイン･バロック風の黒を基調として、色白の女性の肖像が浮かび上がってくる。その肌の色や柔らかな質感、叙背課の顔の雰囲気など、今回展示されているシャセリオーの作品の中で、とくに印象深い作品の一つです。しかし、模写です。画家のオリジナル創作ではないのです。ネルサンス時代のような工房で画家が職人のように制作していた時代ならまだしも、近代の、とくにロマン主義の画家として個人の主体性が制作のベースとされていた時代の画家です。シャセリオーは、そのシャセリオーの作品の中でも、（オリジナルよりも）模写が印象に残るというのは、おかしいかもしれません。それは、シャセリオーの作品の中では、とくに肖像画の印象が強く残っているせいもあるのですが、この頃の画家の作品制作の根幹ともいうべきテーマとそれをいかに画面にするかということよりも、モデルを立派に画面に定着させる肖像画や、お手本を忠実に写す模写といった作品の方がシャセリオーの場合、レベルが高いと思われるのです。そこにシャセリオーという画家の本質的かものを私は感じました。それは、手法の洗練とでもいいましょうか。例えば、この「１６世紀スペイン女性の肖像の模写」に戻れば、スペイン・バロックのある種の荒々しさ、エル･グレコなどもそうですが、筆の勢いがそのまま残されて作品に近寄ってみると、荒っぽいほどのものかせ遠目に眺めると全体に調和していて荒さが目立たない、そういう秘められた情熱の迸りのようなところがあるのですが、このシャセリオーの作品は、近寄っても繊細で滑らかで、まるでルネサンス時代の滑らかなで筆致を残さない作品のようでした。つまり、表層の滑らかさ、優美さといったところに、シャセリオーの真骨頂があるのではないか。それは、いってみれば頽廃にいってしまいそうなところです。だからこそ、ギュスターヴ・モローのような人が、彼のそういう匂いょ嗅ぎ取って、彼のフォロワーとなっていったのではないか、思うのです。これは、先走りすぎました。

「放蕩息子の帰還」（左図）という作品。旧約聖書の有名なエピソードを題材にした、画家が１６歳のときにサロンに初出品した作品ということです。もともと、古くから多くの画家が、たびたび作品にしてきた物語で、例えば、当時ルーブル美術館にあって、シャセリオーも見たと思われるリオネッロ・スパーダ（右図）の作品と比べると、明らかに似ているところがあります。手垢のついたような題材なので、どうしてもどこか似てくるのは仕方がないのですが、父と子が向き合い、老いた父が上から子を見下ろすように慈悲をほどこすように抱き、子が下から仰ぎ見るように下手にでている二人のポーズや位置関係は似ています。しかし、シャセリオーの場合は、若書きゆえにしょうがないのかもしれませんが、スパーダに比べて散漫な印象です。そのひとつの要因は、子の表情が父親に向いているのではなくて、観客を向いている不自然さにあると思います。いわば、ポーズをとっているのがあからさまなのです。それによって、父と子の関係が画面で決まっていないのと、子の表情が画面の中で浮いてしまってちぐはぐな印象になっている。そして、全体として色調が抑え気味なのはいいのかもしれませんが、スパーダのように暗闇に父子二人だけが映って二人のドラマが際立っているのにたいして、シャセリオーはドラマのような注意の集中がおきていないので、日常のひとコマを演技のようにわざとらしくやっている程度にしか見えないところがあります。とはいっても、全体にはまとまっているし、ちゃんと形になっているので、題名をみれば、それと分かる作品になっている。この画家の、歴史画を見ていて、どの作品にも共通して感じられる薄味、あるいはもの足りなさというのが、この最初期の作品からある、ということです。

「アクタイオンに驚くディアナ」（左図）という作品です。このころから、シャセリオーは師であるアングルの影響から脱して独自の道を歩み始めるというころの作品ということです。アングルのようにキチッとした構図やデッサンが決まっているところが稀薄になっているのは分かります。例えば、右手の水浴しているニンフと中央の後姿のディアナとのバランスが釣り合っていないので、ディアナが主役として引き立っていない。細かいところをいえば、後姿のディアナの背中や尻の描く場合、アングルであれば、もっと魅力的に、そこだけを見ても十分鑑賞に値するような世界と尻を描いてみせるのだろうけれど。それと、ディアナに衣を渡しているニンフと、水浴しているニンフの二人は顔が横顔と斜め正面で顔が見えるけれど、表情がなくて彫像のようで、闖入者への驚きも、怒っているはずのディアナに対する態度のようなことが見えてこない。右上の水浴から上がるニンフたちは立像彫刻のようです。全体として人物に動きのない類型のようなところ。そして、遠近法で描かれているのですが、先ほど指摘したように水浴しているニンフとディアナはどっちが奥にいるのか分からないような曖昧さと、小さく描かれている鹿に変化させられたアクタイオンの影やその周囲が舞台の書き割りのように平面的なことから、画面全体が立体的な奥行きのある空間の広がりがかんじられず、書き割りのように見えてしまう。それらのことをあわせると、リアルな存在感のある風景と感じさせない。私の個人的な印象ですが、２０世紀のシュルレアリスム画家ルネ･マグリットの描く人工的な世界の表面的な感じに近いのです。つまり、シャセリオーの描く世界というのは、表面が滑らかでピカピカだけれど、どこか人工的なつくりもののようなのです。

２０代になったシャセリオーはロマン主義的な作品を次々に制作し始めたということで、「アポロンとダフネ」（左図）という作品です。ギリシャ神話で太陽神アポロンからの求愛を拒絶したダフネは月桂樹になってしまうというエピソードを描いたものです。逃れようとするダフネは身体を弓なりに反らして弧を描いている姿は、足元が樹木の根の張った姿に変容しはじめていて、身体をいっぱいに伸ばしているのは、アポロンから逃れようとするのと、樹木の幹の上に伸びる姿に擬しているのと両方でしょうか。その垂直の方向性に、こころもち弓なりの曲線がかかっていることで女性の身体の流れるような曲線が強調され、アポロンが追い求め、手の届かない美を強調しているように見えます。そして、ダフネの顔には表情はなく、これはシャセリオーの特徴のようでもある感情とか心の内面を、あまり表情として描こうとしないのか、敢えてそうしているのか分からないけれど、樹木に変容し始めていることによって表情を失い、アポロンの求めにすで反応も反対もしないという冷たい拒絶という様相になっています。一方、アポロンはダフネの足元に縋りつくように追い求めるアポロンの姿は、美に対する芸術家の届かぬ憧れの姿を体現しているという評もあるようです。この作品のアイディアや構図は、ほとんどそのまま後世のギュスターヴ･モロー（右図）によって使われていて、モロー自身もシャセリオーに対するリスペクトもあったということで、その作品も並べて展示されていました。モローはダフネを痩身にして人間の肉体を感じさせないようにしてより抽象的にしています。この「アポロンとダフネ」という題材もギリシャ神話の有名なエピソードで、多くの絵画や彫刻で取り上げられてきました。それらに対して、シャセリオーとモローの場合に際立っているのが、ダフネの描き方ではないかと思います。つまり、他の作品では、ダフネはアポロンから逃げる女性で、アポロンに対して恐れの表情だったり、逃れようとして必死の顔、あるいは今にも悲鳴を上げる、アポロンを拒絶するといった、かなり強い表情で描かれているのです。むしろ、ロマン主義の立場であれば、個人の内面の動きを強調するのですから、それがもっと強調されてもいいはずなのに、シャセリオーは、反対にダフネに表情はありません。すでに樹木への変容が始まって、人間的な感情とか表情が失われている、ということなのでしょうが。むしろ、そのような人間から無機物になったところを描くところにシャセリオーの特異さがあると思います。それは、敢えて言えば、世紀末デカダンスの変態的な性向、ネクロフィリオとか、人形を偏愛するとかいった趣味への親近性です。それは、シャセリオーの趣向を継承したモローには、明らかに表われていると思います。

「泉のほとりで眠るニンフ」（左図）という作品で、１４０×２１０ｃｍという大作です。“森の泉のほとりで眠る裸婦。木々の茂りが織りなす深い緑を背景に見事なプロポーションの白い裸体が浮かび上がる。ヴェネツィア派以来の草上のニンフの図像の伝統を踏まえつつ、画家はとりわけ古代彫刻を思わせる裸婦の典雅なポーズの表現に心を砕いたことが分かる。だが、彼女が脱ぎ捨てたらしきバラ色のドレスや金の首飾りなどがその体の下に敷かれており、この裸婦が神話のニンフではなく、１９世紀の同時代の女性であることも明かしている。澄み切った地中海の青空ではなく、画面左手の木々の隙間からは落日の赤光が覗いていることから、夕闇が迫る時間帯であることもわかる。さらに、女性の体は古代彫刻のように無毛で描くことを一つの約束事としてきた絵画的伝統を逸脱して、両腕を挙げた裸婦の左脇の下にはうっすらと生えた毛が隠すことなく描きこまれている。ゆったりとした筆で置かれた緑、バラ色、金色のハーモニーが静かに醸し出す詩情の一方、写実主義の萌芽を見ることができる作品である。”という解説がされています。この解説で、作品の概要を言葉にまとめていると思います。そうやって概要を掴んだところで、さきほどの「アポロンとダフネ」を思い出しながら、この作品を見てみると、じつは、女性の描き方がかなり共通しているところが分かります。それは両腕を挙げたポーズで、腋の下を露わにしている。身体の全体を背伸びするようなポーズをとらせている。顔の中で最も表情を表わすことができる目が閉じられている。片や樹木に変容し、片や眠っていて意識のない状態であること。それらは、末節的なところではなく、本質的なところで、シャセリオーという画家の裸婦に対する嗜好、あるいは志向が表われているのではないかと思います。たんに二つの作品だけを抜き出して指摘するのは恣意的と思われるかもしれません。しかし、他にも彼の代表的な作品に数えられるた思われる「海から上がるウェヌス」にも共通しているのです。他にも「エステルの化粧」「テピタリウム」「オリエントの室内」といった作品にも共通していると言えます。では、シャセリオーの裸婦に対する嗜好、志向とはどのようなところか。ひとつは、両腕を挙げたときの乳房をはじめとした胸、そして肩の筋肉、上半身の形態に対する好みです。この場合、乳房は吊り上げられるようなこととなって、豊かなボリューム感は減退しますが、垂れ下がるようなことがなく引き締まったプリプリした感じになります。乳房の出っ張った形態がハッキリします。そして、乳房をつり上げでいる肩から胸にかけての筋肉が盛り上がって、線がくっきりします。さらに腋の下の窪みとの対照で、盛り上がりが強調されます。また、敢えて言えば、腋の下の窪みへの偏愛もあるのではないか。この場合、腋の下の窪みは陰部の窪みになぞらえていると想像することができます。だから、腋の下の腋毛をあえて描いたのではないか、と思えるのです。そこから、シャセリオーの女性の身体に対して腰部よりも上半身への偏愛とまでは行かないまでも、志向があったのではないかと思われるのです。そこで考えられるのは、出産ということを避けながら、女性を性的対象として見る視線です。

それは、裸婦の女性が肖像画のように描かれて、人物の外形の特徴を見分けられるような描き方で、女性の裸の身体も描かれているということです。ルネサンスのイタリア絵画のような透明感のある青空の下で陽光を浴びてピンク色に輝くような肌ではなくて、室内の暗い灯りでほの白く浮かび上がる肌です。つまり、女神の肌ではなく、日常の現実生活で見ることの出来る肌です。それが却って生々しさを感じさせる要素となっています。しかし、かといって後のマネのような脂粉にまみれた不健康な肌ではないのです。そこにシャセリオーの時代性があり、彼自身の本質的に身についていた上品さがあったと思います。だから、裸婦の身体の美しさは、リアリズムに徹しているわけでもなく、肖像画がおしなべてそうであるように、人物の特徴を備えていながらも、見栄えのするように手を加えています。裸婦のポーズや画面構成はルネサンスのイタリア絵画のパターンを踏襲した立派な裸婦像の形態をとっています。そのパターンを踏み外すことなく、しかも前記のような嗜好で女性が描かれている。したがって性的な視線の消費の対象として、品質の高い裸婦像が出来上がってくるというわけです。

このコーナーでは挿絵としてペンで描かれ、版画として流通した作品も展示されていましたが、ここでは触れません。油絵作品を見ていきます。「気絶したマゼッパを見つけるコサックの娘」という作品です。シャセリオーが数多く描いたオリエント風のエキゾチックな作品が、このころから制作され始めたということでしょうか。ロマン主義とかエキゾティシズムとか説明されていようですが、さきの裸婦像が視線の消費の対象となっているのと同じように、新奇さという点で観る者の消費の対象となる作品となっていると思います。ただし、そこにはシャセリオーの本来持っている育ちの良さゆえに、作品に品位を持たせて、芸術の絵画として伝統的な枠組みの中に収まっている。身も蓋もない言い方になりますが、私の見たシャセリオーのロマン主義とは、そのように映りました。作品に戻りましょう。“ポーランド国王に仕えてたマゼーパが有力者の妻と不義を働き、その罰として野生馬に裸で縛り付けられて荒れ野に追放された様子を描いた。”という題材で、過去にも題材とした画家が何人もいたということです。シャセリオーは“新たな表現を加えた。従来のように、危険に満ちた暗い荒野を疾駆する馬とその背で苦悶するマゼッパの姿を描き出すのではなく、本作での中心は、異国的な鮮やかな色合いの衣装と黒い瞳に黒い髪のコサック娘である。精根尽き果てて地面に倒れこむ馬を彼女が発見した瞬間である。時間帯は黄昏時であり、背景の夕空を織りなす茜色から薄闇のグラデーションや、飛び去る鳥のシルエットが抒情的でメランコリックな雰囲気をかもし出している。”と説明されています。この説明でも触れているように、この作品の眼目は、エキゾチックな少女の姿であり、野生馬とマゼッパの姿は少女と対照させるみじめさとして機能しているようてす。少女は、先ほど見たアポロンから逃げるダフネのように顔が分からないということはなく、顔の造作がちゃんと描いてあり、つかも目の大きな美少女という描き方のようですが、少女の顔には表情の片鱗もなく、ポーズも右手を無意味に伸ばしているだけで、たんに立っているだけの、まるで彫刻のようです。彼女には、普通であれば、目の前にあるように異常な出来事に対して、驚いたり、恐ろしくなったり、マゼッパの身体を気遣ったりするはずです。ところが、彼女は無表情で、良く言えば超然としているのです。それは、デカダンスの芸術家が好んで取り上げた、ファム･ファタールという周囲の不幸を糧にした美しい生き物のようにも思えてきます。つまり、シャセリオーという画家には耽美的傾向があるのではないか、ロマン主義というのは、そのための手段ではないかと思えてくるのです。もちろん、画家ですから美しさを追求するのは当然です。